第一节 钢琴与钢琴艺术创新
1.中西方钢琴艺术的差异和融合
从意大利人克里斯托福里1709年发明了第一架钢琴至今，已有近300年的历史了。在这漫长的发展过程中，它经历了与古钢琴共处、竞争的初始阶段；走向并最终登上“乐器之王”宝座的盛世阶段；以及不断丰富提高的现阶段。
鉴于钢琴艺术在中国的不断普及、发展以及笔者对钢琴艺术的粗浅了解，在这里浅析中西方钢琴艺术的差异和融合。从钢琴音乐体系、钢琴艺术发展进程、演奏技法（调式、和弦、乐曲记法）、作品形式和表现手法等方面来探究、分析中西方钢琴艺术的差异；从钢琴艺术的创作源泉、创作灵感、创作受地域民风影响、创作中的个性展现和创作植根于社会发展等方面来探究、分析中西方钢琴艺术的相通与融合。通过分析和探究，我们看到：钢琴艺术越具个性，就越有普遍意义；越具时代性，就越有历史意义；越具民族性，就越有世界意义。我们承认差异，是指各民族、各时代钢琴艺术存在着体系、流派、风格、内容、形式的多样性，而且正是这种多样性构成了钢琴艺术的丰富多彩，可见差异多样性本身也是统一的有机体。我们追求融合，也绝不是要使钢琴艺术走向一个流派、一个体系、一种风格或单一化的表现形式，而是要促进不同体系、流派、风格的相互学习、沟通、交流，以共同推动钢琴艺术向更高层次发展。钢琴艺术的发展有赖于体系、流派、风格、内容、形式的多样性发展为基础；体系、流派、风格、内容、形式的多样性发展又丰富、完善了整体意义上的钢琴艺术。这就是中西方钢琴艺术差异与融合的有机统一。差异就是丰富多彩，融合则是更加繁荣。差异与融合的高度统一便是我们要追求的世界钢琴艺术的最高境界。中西方钢琴艺术同属世界文化艺术的一部分，它们的相通、融合与发展，极大地丰富了世界文化宝库。在当前全球经济一体化的背景下，世界文化艺术的发展又向我们提出了新的任务，这更使我们年轻的一代增强了历史责任感。
2.差异：对钢琴艺术形式的探究
由于钢琴艺术在西方产生至今已有几百年的历史，其间因众多音乐家的广泛参与和辛勤耕耘，已经形成了较为完善的钢琴音乐作品体系，并且具有系统性、层次性和渐进性。例如“练习曲”，就是专门用来训练基本演奏技巧的乐曲。哈农（Charles-Louis Hanon）的《钢琴练指法》训练的是一种高抬手指发音、均匀发展手指的技巧，成为钢琴初学者必修的课程。拜厄（Beyer）的手指练习曲集也是最普及的钢琴入门丛书。谱写练习曲的还有欧洲钢琴史上著名的“三C”—奥地利的车尔尼，德国的克拉莫和意大利的克莱门蒂，其中车尔尼（Czerny）的艺术贡献最为瞩目。车尔尼一生中共出版了近80册的《练习曲》，首首都是根据不同的训练对象和技巧要求从实际应用中总结、编写出来的。他强调所有的技术，包括触键的平均、手指的敏捷、速度的均衡以及指法的正确运用等等，这些都是为弹奏出优美、纯净的音色服务的，并提出要运用手的内在重量进行弹奏。他的练习曲大体可以分为两类：一类是用于每日训练基本功的常规“练习曲”；另一类则是用于专项技巧训练的标题“练习曲”，即每集都有一个明确的训练目标的标题，如“快速练习曲”、“表情练习曲”、“连奏与断奏练习曲”、“华丽练习曲”、“小手用练习曲”、“装饰音练习曲”、“三度练习曲”、“少年练习曲”、“演奏家练习曲”等等。克拉莫（Cramer）的《练习曲集》和克莱门蒂（Clementi）一生共计百首的《钢琴练习曲集》，至今仍沿用为钢琴演奏技术的基础练习曲，其特点是专门训练钢琴上的指法，使演奏技巧达到干净利落和明亮清晰的程度。“三C”的“练习曲”多以纯技巧的训练为主，旋律还比较简易、单一。而德国的凯斯勒（Kessler）和波兰的莫什科夫斯基（Moszkowski）的“练习曲”，则在注重技巧训练的同时，添加了音乐作品的形态，使“练习曲”有了明显的旋律性，是“练习曲”家族的高层次成员。这些“练习曲”介于纯练习曲和表演曲之间，可以起到向高难度乐曲逐步过渡的作用，因此又被称做“过渡练习曲”。著名的肖邦和李斯特也写了不少“练习曲”。他们的“练习曲”内容丰富，音乐形态上也早已超越了纯技巧的训练，因而每一首都成为著名的音乐会演奏曲目。当然，这些曲子的技巧难度很大，但技巧的展示已经不是唯一的目的，而是有机地溶入旋律，更好地为抒发情感服务，使键盘音乐展示出超凡的魅力。这些都是顶尖的“练习曲”。这众多的“练习曲”分别适应了不同年龄、不同层次的钢琴练习者的需要，不仅能分阶段性地、渐进性地为习琴者打下坚实的基础，还通过习琴者的练习实践不断完善和极大地充实了“练习曲”的内涵。
钢琴艺术传入中国至今仅几十年时间，总体来看标题音乐作品居多，乐曲量较少，因而系统的创作少，很难说形成什麽“体系”。在我国，虽然也诞生了一些“练习曲”，但这些“练习曲”基本上都以技巧训练为主；即使有些加入了一点旋律，也还显得比较稚嫩，缺乏深厚的内涵和系统性。所以我国现阶段的钢琴教学仍采用车尔尼的“练习曲”系统，如作品599、849、299、740等，以填补我国在钢琴指法训练教育方面的空缺，完善教学体系。
3.钢琴艺术发展进程
西方钢琴艺术的发展过程大致经历了古典主义、古典—浪漫主义、浪漫主义、印象主义、表现主义、现实主义等几个阶段，其间涌现出许多艺术成就卓著的世界级大师，创作了大批久演不衰的艺术精品，并且正在不断的创新和变革中走向辉煌的颠峰。
至于中国的钢琴音乐发展进程，简单地讲是从模仿西洋音乐作法开始，到改编民族音乐，进而在保留民族特色的基础上进行创新，这一过程的核心便是对西方艺术的摹仿和改造。在中国钢琴艺术的发展史上，最值得一提的是贺绿汀创作的《牧童短笛》。这首曲子在1934年俄国作曲家亚历山大.尼古拉耶维奇.齐尔品举办的中国民族风格作品比赛中获得头奖。它打破了中国音调与西洋乐理的界限，作品的成功鼓励了全国的音乐家为复兴改进中国音乐而研究西洋乐理和技术，并给那些极端保守古乐者和主张完全欧化者以警醒。具体地说，这首曲子集中体现了中国钢琴艺术发展进程的主要特征：一手伸向传统，一手伸向西洋。在旋律方面，它建立于民间音乐的基础之上，具有深刻的民族音调的美学内涵，天然地反映了民间音乐的“遗传基因”，更蕴涵着中国农民音乐的旋律气质和旋法特征，保持了与传统民间音乐的渊源联系；在和声方面，这首曲子采用了主调的写法，同时又运用了一些细微、精到的和声处理来避免大小调功能结构与民族音调之间风格上的矛盾，从而形成了单纯明晰的和声风格；在复调方面，五声化旋律被处理成多种自由对位的形态，使得两个声部的旋律都富有中国民歌的风韵，又采用了“你繁我简，你简我繁”的原则，使得两个声部的音乐相互补充、连绵不断，更将西欧对比复调技法与我国民间支声复调的因素结合起来，使得民族的风格好似行云流水一般流淌在每一个音符上。当然，这首《牧童短笛》和西方的钢琴曲相比还很不成熟，其中也有不少刀刻斧凿的痕迹，但它毕竟是中国和西方沟通的第一步。此后，中国的钢琴艺术便在不断地向西方借鉴的过程中有了一定程度的充实和提高。
4.钢琴演奏技法
（1）调式
所谓“调式”，就是几个音按照一定的关系结合在一起、并以其中的一个音为中心（主音）的体系。在这一方面，中西方钢琴音乐存在着很明显的差异。西方音乐采用的是“大、小调式”。大调，是由七个音组成的一种调式。它的基本形式是自然大调，其特点是：第Ⅲ与Ⅳ、Ⅶ与Ⅰ级音之间为半音，其余为全音，多用于表现明亮的音乐形象。小调也是由七个音组成的，有三种形式：①自然小调，是小调的基本形式，Ⅱ与Ⅲ、Ⅴ与Ⅵ级音之间为半音，其余为全音；②和声小调，是在自然小调的基础上将Ⅶ音升高半音；③旋律小调，是在上行时在自然小调的基础上将Ⅵ、Ⅶ音升高半音，下行时再将其还原。小调多用来表现柔和的感情色彩。中国的音乐多采用五声调，它是按照纯五度排列起来的五个音所构成的调式，这五个音按高低顺序排列为：宫、商、角、徵、羽。五声调长期成为中国民族音乐的主流，因而也常常出现在现代的钢琴音乐作品中，体现出浓郁的民族风格。在当今的音乐创作中，中国的作曲家更喜欢采用大调式，以表现积极向上、奋斗进取的情调，而较少采用小调式。
（2）和弦
一般说来，在西方乐曲中和弦运用较为丰富，往往根据作品风格的表达需要或作曲家的情绪选用，更常常设有一些极为不和谐的音程，却反而给乐曲平添几分姿色。中国乐曲常用五声调和大调和弦，因而和弦的使用较为集中于三度、五度音程。
（3）乐曲记法
我们可以明晰地看到：西方的钢琴乐谱上往往有很多的演奏术语。这是因为在浪漫主义发展后期，追求个性越来越显重要，于是音乐家在谱曲的时候，标上许多演奏术语，不仅使自己的个性得到体现，也给了演奏者一定的再创作的空间。
中国的钢琴音乐作品大多数来自于人们熟知的民族音乐作品，因此很少能看到演奏术语的标记，强弱记号倒是用得很多。
5.钢琴作品形式
西方的钢琴作品形式非常之丰富：练习曲、幻想曲、即兴曲、奏鸣曲、狂想曲、舞曲、摇篮曲、叙事曲、谐谑曲、夜曲、圆舞曲、前奏曲……，各式的标题音乐也很多。例如，李斯特的作品有很多是标题音乐；格里格、布格缪勒的音乐小品也都是标题音乐；舒曼更是谱写了大量的标题音乐经典，他的《童年即景》、《蝴蝶》等都是最著名的钢琴组曲。
而中国钢琴作品的形式明显地缺乏丰富多样，以标题音乐居多，如《南海小哨兵》、《解放区的天》；钢琴组曲也占多数，往往是取材于同一个地区或事件，熟知的有《巴蜀之画》、《儿童组曲》等。
6.钢琴艺术表现手法
由于中西方人审美情趣的不同，使得他们对事物、对景色的描摹手法不同，音乐表达方式及艺术效果也有明显的区别。同样是写鸟儿，同样带着浓浓的民族风格，格林卡、柴可夫斯基的《夜莺》、《云雀之歌》显得十分优柔、含蓄，好象是一只或是几只可人的鸟儿在枝头悦耳地轻唱，无比的轻盈、幽美、恬静，甚至可以嗅到大自然的清新。而根据民族乐器唢呐齐奏改编的中国钢琴曲《百鸟朝凤》，却显得十分的热闹、纷繁，描绘出的是一幅群鸟欢聚、尽情嬉戏的场景。由于唢呐的声响特点，整部乐曲显得很喧闹，这恰恰体现了中国农民的音乐审美情趣。比较这两种音乐作品的艺术效果，可以用一个通俗的比喻来说明：《夜莺》、《云雀之歌》是系在西方少女金发上的素色丝带；而《百鸟朝凤》象穿在中国新娘身上的鲜艳红袄。
综上所述可以看到，中西方钢琴艺术确实在很多方面存在着明显的差异。然而几十年来，我们并未闻两者发生激烈的碰撞，却亲见其互相促进，共同发展。于是，我们就有必要进一步去探究中西方钢琴艺术长期共存共荣的根源。
第二节 教师与钢琴艺术创新
钢琴艺术自传入中国以后，历经几代人的探索与实践，取得了辉煌成就，周广仁、李云迪等一大批钢琴家在国际大赛中获得大奖。中国钢琴事业的快速发展与钢琴教育事业的发展密不可分。依笔者所见，我国的钢琴教学大致可分为三大板块：专业钢琴教学、师范钢琴教学和少儿钢琴教学。师范钢琴教学承担着培养中小学钢琴师资的重任，高师钢琴教学质量直接关系到中国钢琴事业的发展方向。因此，高师钢琴教学的继承与拓展也就成为日益关注的两大问题。一教学目标的继承与拓展钢琴教学在音乐教育专业的整个教学设置中占有重要地位，是师范生必修的专业基础课和专业技能课。各院校现行钢琴教学的目标要求基本为三个维度：技术上达到一定程度；演奏一定的钢琴作品；具有一定伴奏能力。实践表明，三方面目标均已基本达到，尤其是曲目演奏上，多数学生能根据实际水平弹奏一些作品。但根据高规格人才的培养要求，钢琴教师仅具有基本技巧、弹奏有限量的作品是远远不够的。
1.钢琴艺术的创新由社会的发展所推动
在钢琴的发展初期，古钢琴处于主导地位，钢琴作品的演奏和创作受到很多古钢琴的影响；另外，西方社会正处于封建时代，音乐大多局限于宫廷之中。如巴赫，因为当时多用古钢琴演奏、钢琴不被认可等局限以及宫廷的需要，他的钢琴音乐作品比较注重形式，写了很多宫廷舞曲和模式大致相同的创意曲、赋格和平均律曲，乐曲严谨、细腻，理性为其主导因素。之后的海顿，也同样受到宫廷音乐和古钢琴的影响，所作的音乐非常严谨，触键也保留着古钢琴演奏的方法。虽然，他创作了多部“奏鸣曲”，被称为“交响乐之父”，但是我们可以看到他的不少作品都注明了是为“某某公爵”、“某某夫人”所作，可见他的作品中还很少有能够称作“个性”的东西。
海顿的学生莫扎特主要继承了他严谨的一面。但莫扎特很小就触及钢琴音乐，并英年早逝，因此他的作品往往很年轻、富有童心，就像透明的水晶，没有一点刻意的修饰。海顿的另一个学生贝多芬，则主要继承了他激情的一面。又由于贝多芬遭遇的悲惨命运，他的音乐作品中更多地抒发了他对命运的抗争、对生活的渴望，引起了人们强烈的共鸣。这时，钢琴已被众多的人接受，钢琴音乐逐渐繁荣，并且由古典主义向浪漫主义过渡。同期的舒伯特，便成为音乐史上浪漫与古典交替时期承上启下的人物。他的音乐既有浪漫主义的夜晚诗意，又有古典主义的白昼光明。从他明确的思维和采用风俗色彩的写作手法来看，他属于古典乐派的作曲家；但从他的处世态度，对大自然的特殊爱好，以及音乐的歌唱性、抒情性和富于多变色彩的舞曲性来看，他属于一个浪漫主义的作曲家。他在古典主义的沃土里培育出浪漫主义的花朵，并使它具有顽强的生命力。正如哈多爵士这样评价舒伯特的音乐成就：“就乐思与体裁的明晰度而言，他不如莫扎特的成就；就音乐的结构能力而言，他远逊于贝多芬；但就诗意的表现力及暗示力而言，却是前两者所不能及的。”
第三节 教材与钢琴艺术创新
在此我们将以作品的体裁为标准，分门别类的对钢琴学习的教材和重要曲目加以简要介绍。我们先从练习曲开始。在钢琴作品中被称为“练习曲”的作品可以分为两类，一类是以单纯的技术练习为目的，不能作为音乐会曲目的纯练习曲。这类练习曲的音乐性一般不强，音乐形象比较单一，但对于学习者技术提高却有着非常有益的帮助。第二类练习曲可以称为“音乐会练习曲”，他们往往有着不逊于其他任何乐曲的音乐表现力，同时又能充分展现演奏家高超的技巧，是很受炫技派独奏家青眯的音乐会曲目。这些练习曲也是专业钢琴学习者必弹的技术教材，对于提高技术能力和全面性有着不可替代的作用。我们先从第一类“纯练习曲”开始介绍。在“纯练习曲”中，最为著名也是最常被学习者使用的要算车尔尼的系列练习曲了。这些练习曲从易到难分别是：OP.599，是钢琴学习的入门教材；OP.453与前者的程度基本相同，在我国极少被使用；OP.823该书中练习曲的音乐形象生动活泼，适合儿童弹奏；OP.139，与OP.823正相反，属于比较机械性的手指体操；OP.748，是一本音乐性较强的初级练习曲集，但在我国极少被使用；OP.821，书中每首曲子只有八小节，练习形式有些像哈农的《钢琴练指法》；OP.849，是一本被广泛使用的纯练习曲集，是初级练习曲和中级练习曲之间的过渡性教材；OP.636与OP.849程度相同，但在技巧类型方面更为全面；OP.299是钢琴学习者的必弹教材，对这本曲集学习的好坏往往会决定学习者日后技术发展程度的高低；OP.834是进入OP.740学习之前的准备教材；OP.740是车尔尼练习曲中程度最高的一本，其中有许多首并不比肖邦的练习曲容易弹，可惜音乐性不是很强，不能作为音乐会曲目演奏。除了这一系列的练习曲外，车尔尼还著有六本专门性技巧的练习曲，它们是：OP.355，为连奏及断奏的专门练习而作；OP.533，八度练习曲集；OP.365，特殊技巧练习；OP.337，每日手指体操；OP.399和OP.718，左手练习曲集，其中OP.399更为难弹一些。
和车尔尼的练习曲一样，巴托克的《小宇宙》也是一套系统性的钢琴练习曲。尽管它没有“练习曲”之名，却有着和练习曲一样的学习价值。该套教材分六册共150首，其中前四册在技巧学习方面一直采用循序渐进的方式。后两册则比较艰深，弹奏起来有较高的难度。这套曲集包括了从启蒙到专业化的技巧学习过程，其目的是要使学习者熟悉近代音乐的演奏特性，同时掌握常规的演奏技术。尽管这套曲集中的曲子音乐形象鲜明且富于创见，但由于其鲜有被作为音乐会曲目演奏的机会，因此我们还是把它归于“纯练习曲”的范畴之内。
除了这两套系列练习曲外，还有一些作曲家和钢琴家所创作的“纯练习曲”也是不可忽视的重要教材：
克莱门蒂的《名手之道》是对手指力量训练极有益处的优秀教材，可以作为肖邦练习曲的准备练习使用。
克拉默的《钢琴练习曲》程度介于车尔尼的OP.299和OP.740之间，对手指的伸张能力训练很有裨益。
莫什柯夫斯基的练习曲难度与“740”相近，但音乐形象更为华丽，每首练习的旋律也较为优美，对于学习者弹奏的流畅性与协调性的训练很有帮助。
勃拉姆斯的51首练习曲是极为艰深的手指机械练习，尽管音乐比较枯燥乏味，却是钢琴专业学习者强化各类技术能力极为有效的教材。
除了以上这些较为常用的练习曲外，像匈牙利作曲家海勒（StephanHeller）、德国钢琴家凯斯勒（J.S.Kessler）、法国钢琴家库帕依（LeCouppey）等都著有十分优秀的练习曲，但由于在国内被使用得较少，在此就不一一介绍了。
下面我们来介绍一些著名的“音乐会练习曲”。
肖邦的二十七首练习曲无疑是作曲家本人最杰出的作品之一，它不仅是钢琴专业学习必弹的重要教材，也是钢琴文献中不可多得的艺术珍品。在本书第一章第三节中我们曾对肖邦的练习曲有过介绍。在此需强调的是，这些练习曲虽然技术艰深，但读谱并不太难，因此从事钢琴专业学习的学生应该在练习了一些“740”和克莱门蒂的练习曲后立即进入肖邦练习曲的学习，这对于及时提高技术能力很有帮助。曾有钢琴家说过，如果谁十六岁还没有弹过肖邦的练习曲，那么最好放弃成为钢琴家的念头吧。这样的说法虽有些绝对，但也说明了肖邦练习曲对于演奏者手指机能的要求有多高，帮助有多大。
肖邦是第一位将“练习曲”这一体材提升为与其它音乐体裁等高的作曲家。继他之后许多钢琴技艺高超的作曲家兼钢琴家也为这一体材贡献了不少优秀的作品。
李斯特的十二首《超技练习曲》是钢琴技巧运用的巅峰之作，但对于演奏者而言只要有一双大而有力的手，他们比起肖邦的练习曲还要容易弹一些。肖邦练习曲越弹越会觉得难弹，而李斯特的练习曲最困难的在于读谱阶段，一旦弹熟了就会觉得很顺手（李斯特的其他作品也大多如此）。这十二首练习曲中音乐形象最丰满，内容也比较丰富的是第四首《玛捷帕》、第七首《英雄》和第十首《f小调》，其它几首如《鬼火》、《狩猎》、《雪融》等也是音乐会效果很好的华丽作品。除了这十二首练习曲外，李斯特还作有五首《音乐会练习曲》和六首《帕格尼尼大练习曲》。其中《帕格尼尼大练习曲》属于改编曲，但钢琴技巧的运用已到了登峰造极的境界，特别是第六首，演奏效果要胜过小提琴原版许多。《音乐会练习曲》中以《森林的絮语》和《侏儒之舞》最常被演奏，它们也是李斯特练习曲中比较容易弹奏的，难度与“740”相仿。
李斯特之后最重要的音乐会练习曲是出自斯克里亚宾之手。他共作有二十三首练习曲，其中＃d小调OP.8no.12由于钢琴大师霍洛维茨的绝妙演奏而最为有名。演奏斯克里亚宾的练习曲需要结实的手掌和强大的力度，因此在练习时一定要注意用力的方法，保持手腕和手臂的协调，不可一味地用蛮力，否则可能会造成生理方面的伤害。这些练习曲大多有着诗一般的神秘意境，在音乐处理方面也需要演奏者具备一定的功力。因此笔者建议学习者在充分学习了肖邦和李斯特的练习曲后，再接触斯克里亚宾的练习曲，这样比较稳妥。
拉赫玛尼诺夫的十八首《音画练习曲》也是钢琴文献中非常重要的音乐会练习曲。这些练习曲不像斯克里亚宾的练习曲那样有着磅礴的气势和深邃的意境，但在技巧运用方面更为复杂艰深。它需要演奏者有极强的手指灵活性和伸张能力，并能在繁杂的织体中保持旋律线条的连贯，是所有钢琴练习曲中最难弹的曲目之一。
法国作曲家圣·桑也作有十八首华丽的练习曲，其音乐会效果不错，但对技术的练习价值不如拉赫玛尼诺夫和斯克里亚宾的练习曲。
德彪西的十二首练习曲是近代钢琴练习曲中最为优秀的作品，其艺术价值不逊于他的二十四首《前奏曲》。和肖邦的练习曲一样，这些练习曲每首都有一个明确单一的练习内容，音乐形象也非常新鲜生动。需要注意的是原版乐谱上并没有为这些练习曲注明指法，因此在弹奏时需要仔细研究才能获得最好的练习和演奏效果。
除了这些著名的音乐会练习曲外，门德尔松、安东·鲁宾什坦、斯特拉汶斯基等作曲家也作有一些优秀的练习曲。舒曼也曾作有一首极难弹的《交响练习曲》，但它基本上可以算在乐曲的范畴之内，在此就不做介绍了。
现在我们再来介绍一下奏鸣曲。
作为标准教材使用的奏鸣曲，一般都是出自维也纳乐派三巨头之手。特别是海顿、莫扎特的奏鸣曲，由于结构严谨，技巧比较简单，经常被当作深入阶段学习者的常用教材。对于程度较低的学习者，还有不少小奏鸣曲可供练习使用。
在人民音乐出版社出版的《小奏鸣曲集》的目录上，有关于小奏鸣曲学习进度的推荐顺序。这个顺序基本上可以当作小奏鸣曲学习的进度指导。但在这个推荐顺序上编者将各个小奏鸣曲的各个乐章都拆开来排列，这是需要学习者加以注意的。笔者认为如果学习者的时间和技术能力允许，还是以完整地弹奏整套作品为最好（以后在学习正规奏鸣曲时也是如此），这对于培养学生对整部作品结构的把握很有好处。另外在这个顺序中的莫扎特C大调奏鸣曲是一首非常优秀的正规奏鸣曲，而贝多芬的两首奏鸣曲（OP.49no.1.2）才是真正为初学者而作的“小奏鸣曲”，因此笔者建议在弹完贝多芬的OP.49no.2后可以将莫扎特的这首奏鸣曲重新再练一遍，当作从小奏鸣曲向奏鸣曲学习的过渡。
海顿中、早期的奏鸣曲音乐性格明朗活泼，对演奏技术的要求也不很高，可以当作奏鸣曲学习的入门教材，其中最常用的是：C大调Hob.35，D大调Hob.37和G大调Hob.27。ЪE大调Hob.49是海顿奏鸣曲中最著名的一首，经常作为音乐会曲目被演奏。但海顿所有奏鸣曲中音乐内容最深刻的还是最后两首D大调和降E大调，我们从中甚至能听到一些贝多芬的影子。这两首奏鸣曲对演奏技巧的要求也比较高，是值得向钢琴专业学生推荐的经典作品。
莫扎特的奏鸣曲尽管不如他的协奏曲那样伟大，但每一首也都是非常优秀的经典作品。其中以C大调K.309、a小调K.310、C大调K.330、A大调K.331.ъB大调K.570等几首最受欢迎。莫扎特奏鸣曲的快板乐章对练习者手指灵活性及触键准确性的提高很有好处。但更重要的是通过对这些作品的学习和研究，学习者可以在歌唱性技术，特别是旋律的设计方面有深刻地体会和提高。因此学习者对于莫扎特奏鸣曲中的慢板乐章一定要给与足够的重视，千万不要认为那是可弹可不弹的小间奏。弹好这些慢乐章对于学习者日后学习肖邦和舒伯特的作品极为有益。
贝多芬的三十二首奏鸣曲与巴赫的《平均律》并肩为钢琴文献中的顶峰之作，被称为钢琴音乐中的《新约》。关于贝多芬的奏鸣曲有许多专著可供大家参考阅读，在此我向大家推荐卡尔·车尔尼所著的《贝多芬全部钢琴作品的正确奏法》（台北全音乐谱出版有限公司出版）一书。车尔尼是贝多芬最亲近的学生，他对其师作品的解释应该是最权威和标准的。
学习贝多芬的奏鸣曲可以先从其最早期的几首开始，也可以从中期的如“悲怆”奏鸣曲开始。但像“热情”、“黎明”以及最后三首奏鸣曲这些非常著名却也非常难弹的几首，还是放在后面再学。至于像《锤式钢琴奏鸣曲》OP.106这样的庞然大曲不是适于学生演奏的曲目，可以在成为钢琴大师以后再加以考虑。在此我向大家推荐降E大调奏鸣曲OP.31NO.3，这首曲子被演奏的机会不是很多，可能是因为其中缺少一些所谓贝多芬式的“激情”。但这首作品对学习者练习手腕的调节和带动能力以及对音色变化的控制能力极为有益，如果弹奏得法，也会是一首效果很好的音乐会曲目。
舒伯特是继贝多芬之后最为重要的奏鸣曲作曲家，我们在以前的连载曾有过介绍。学习舒伯特的奏鸣曲有益于学习者进一步掌握各种歌唱性技巧，但更为重要的是这些优美而深刻的作品，如果因为其技巧性不够艰深就不去弹奏的话，未免太可惜了。学习舒伯特的奏鸣曲可以先从A大调奏鸣曲D.664开始，这是一首极为可爱的作品，三个乐章都有优美的旋律，并且不是很长，很适合作为音乐会曲目。其它如D大调D.850、A大调D.959以及ъB大调D.960都是钢琴文献中不可多得的珍品。特别是D.960，可以列在最伟大的奏鸣曲之列，与贝多芬最优秀的作品媲美。
浪漫乐派作曲家所创作的奏鸣曲为数不多，即便写也很少按照标准的奏鸣曲式去创作。但这些作品的内容比起传统的奏鸣曲往往更为丰富，弹奏技巧也更为复杂，因此很少被用作钢琴学习的标准教材。其中最为优秀的有：韦伯的第二奏鸣曲OP.39；勃拉姆斯的三首奏鸣曲OP.1.OP.2和OP.5；肖邦的第二、第三奏鸣曲OP.35.OP.58；李斯特的b小调奏鸣曲；舒曼的大奏鸣曲OP.14等等。这些作品都是音乐会上的常用曲目，但除了肖邦和李斯特的奏鸣曲外，其它的几首如果作为学生学习的曲目可能略显艰深了一些。另外柴柯夫斯基的G大调奏鸣曲、理查·施特劳斯的b小调奏鸣曲OP.5和瓦格纳的ъA大调奏鸣曲也是很有特色的优秀作品，只是在钢琴技巧方面不太钢琴化，因此被演奏的较少。
近现代作曲家似乎对奏鸣曲这一传统体材又恢复了兴趣并创作了大量优秀的作品。但在曲式的自由程度方面，他们比浪漫乐派的作曲家走得更远，有些“奏鸣曲”已非常接近“幻想曲”或“随想曲”了。
斯克里亚宾和普罗科菲耶夫的奏鸣曲是近现代奏鸣曲中最为优秀的作品之一。斯克里亚宾在他的第四奏鸣曲中将浪漫派晚期那种缠绵膨胀的情调表现到了极致，能给人带来极强的听觉快感。他晚期的几首奏鸣曲内容晦涩、技巧艰深，尤其在读谱时会遇到不少麻烦：铺天盖地的升、降、还原记号和极其复杂的节奏经常会令缺乏经验的学习者望而生畏。学习这样的作品最好边视谱边背谱，虽然进度慢些但成效显著，否则总依赖谱子总也弹不熟练。普罗科菲耶夫的奏鸣曲由于能给演奏者提供炫耀技巧的广阔天地，因而在今天越来越受到钢琴家们的欢迎。和斯克斯亚宾那种充满肉感的音乐形象不同，普罗科菲耶夫的音乐更多的是肌肉和筋骨，因此弹奏他的奏鸣曲需要很强的力量和爆发力。但如果能过胜任，演奏效果总会很好的。
近现代作曲家所创作的奏鸣曲中比较重要的还有拉赫玛尼诺夫的两首奏鸣曲、肖斯塔科维奇的两首奏鸣曲、拉威尔的“小奏鸣曲”、卡巴列夫斯基的C大调“小奏鸣曲”、以及学术价值超过演奏价值的贝尔格及布烈兹的奏鸣曲。
在结束奏鸣曲的介绍之前，笔者要提醒从事专业钢琴学习的学生们：在正式的音乐会演出中，为了维护作品的整体性不被破坏，如果选择弹某一首奏鸣曲就一定要将整曲弹完，通常不可以单弹其中的某一乐章。
协奏曲虽然应归于交响乐的范畴里，但对于独奏乐器来说，协奏曲往往代表了这一乐器技巧运用的顶峰。在各种演奏比赛中，也往往将协奏曲作为最后决赛的曲目，可见协奏曲是最能展现独奏家全面风采的音乐形式之一。
现在在音乐舞台上还经常被演奏的最古老的钢琴协奏曲是J.S.巴赫的七首协奏曲：BWV.1052-1058。这七首协奏曲原来都是为大键琴与室内乐队创作的，用现代钢琴来演奏效果也不错，只是乐队部分也需相应地加以扩充，以保持和钢琴在音响上的平衡。巴赫的协奏曲也是少数可以作为教材使用的协奏曲，弹奏它们比弹《平均律》还要略容易一些。同时由于条件所限，音乐院校中的钢琴学生很少有机会和交响乐队合作演奏协奏曲，通常都是由另一架钢琴代替乐队，以双钢琴的形式演奏。因此有些在由乐队协奏时演奏效果很好的协奏曲，在用双钢琴演奏时音乐魅力会大打折扣，甚至面目全非。而巴赫的这些协奏曲又是少数用乐队和双钢琴演奏效果都差不多的钢琴协奏曲之一，因此很适合在音乐院校中作为考试、演奏的曲目。七首中以第一首最为著名。
古典乐派时期是一个盛产钢琴协奏曲的时期。当时许多作曲家都是非常出色的钢琴家，他们的协奏曲通常都是为自己的演奏会而创作的，因此大量的炫技段落开始出现在协奏曲当中。
海顿曾创作有十四首钢琴协奏曲，但在今天我们还能在音乐会上听到的只有D大调第十一协奏曲。这是一首典型的“海顿风格”作品，优美典雅、活泼欢快，演奏时间不到二十分钟，在技巧方面也比较容易，非常适合作为学生学习协奏曲的入门教材。
莫扎特的二十七首钢琴协奏曲（包括一首双钢琴协奏曲）是西方音乐文献中最为重要的曲目之一，特别是从第十一首之后的17首协奏曲更是首首如天籁般令人陶醉。菲利普·拉德克利夫所著的《莫扎特的钢琴协奏曲》（人民音乐出版社出版）对这二十七首协奏曲进行了深入浅出的介绍，是一本值得向大家推荐的小册子。在这些协奏曲中前四首是莫扎特十一岁时的作品，其中的一些音乐素材是取自当时一些有名的作曲家作品中的曲调，但在音乐整体上仍能听出莫扎特的特质。从第五首至第九首是莫扎特少年时期的作品，和前四首一样，他们在今天被演奏的机会并不多，但作为学生练习的教材还是具有一定价值的。第十协奏曲是为两架钢琴和乐队而作的，是一首杰出的音乐作品，可惜无法在没有乐队的情况下演奏。从第十一首F大调协奏曲开始的17首协奏曲都是莫扎特成熟时期的作品，其中最为经典的是：第十一首K.413，莫扎特本人很喜欢自己的这部作品，其中的第二乐章更是令人心旷神怡；第十六首K.451，乐队编制较为宏大，音乐性格也比较宽阔雄壮；第二十首K.466，是莫扎特交响乐作品中最富于戏剧性的作品之一，音乐中已带有浪漫主义色彩，情感表现十分丰富，据说是贝多芬最为喜爱的协奏曲，并为其作有精彩的华彩乐段；第二十一首K.467，是一首比较交响化的协奏曲，其中有许多令人过耳难忘的优美旋律，第二乐章更是被许多电影借用作为配乐；第二十三首K.488，是一首经常被演奏的名曲，其中第二乐章像一首伤感的诗，相当浪漫而深刻；第二十四首K.491，有的学者认为这是莫扎特协奏曲中最伟大的一首，作品中浪漫的情感与古典的形式完美地搭配融合在一起，甚至可以令人联想到舒伯特的音乐；第二十七首K.595，此曲虽不如第二十六首“加冕”协奏曲有名，但却更为深刻动人，是作曲家对自己协奏曲创作的完美总结。
以现今的标准来看莫扎特的协奏曲在织体技术上算不上很难，但在歌唱性技术方面则是最为难把握和控制的作品。学习者在学习莫扎特的协奏曲时一定要注意音乐旋律的表现，把所有经过句都当作旋律来弹，既要弹出具有颗粒性的明亮音色，又要保持音乐线条的连贯完整。莫扎特所有的协奏曲，用双钢琴来演奏效果都还不错，因此也非常适合在小型演奏会上演奏。
贝多芬是真正将协奏曲交响化的第一人，他的第三、四、五协奏曲都是规模空前宏大的作品。其中c小调第三协奏曲和G大调第四协奏曲更是内涵丰富、深刻而动人的伟大作品。但它们用双钢琴演奏时效果差强人意，无法完全展现作品的原貌。著名的第五“皇帝”协奏曲是一首辉煌灿烂的炫技性协奏曲，演奏难度较大，但用双钢琴演奏时效果还算可以，因此比起第三、四协奏曲更适合学生演奏。贝多芬的第一、二协奏曲也是非常精致优美的作品，是其早期作品中的精品，其中以第一协奏曲更为优秀。
浪漫派作曲家的钢琴协奏曲都是技术高难但演奏效果很好的作品。
韦伯的f小调钢琴“小协奏曲”是一首具有古典主义风格的单乐章协奏曲，音乐明快可爱，用双钢琴演奏效果尚可。门德尔松的两首协奏曲在音乐风格上和韦伯的小协奏曲近似，演奏起来并不太难。其中g小调第一协奏曲演奏效果更好一些，可以作为专业学生学习浪漫派协奏曲的第一课。
肖邦的两首协奏曲是莫扎特协奏曲精神上的延续，同属于最优秀的钢琴协奏曲之列。其中e小调第一协奏曲音乐内容单纯深情，f小调第二号则比较妩媚甜美，如同一对姐妹，形神兼似而又各具风采。这两首协奏曲的乐队部分写得相当单薄，因此在由双钢琴演奏时几乎和乐队协奏的效果相当，因此非常适合在小型演奏会上演奏。
舒曼的a小调协奏曲是舒曼最活跃开朗的作品之一，是一首充满喜悦的爱情礼赞。尽管弹奏它需要高超的技巧，音乐中也有许多光辉灿烂的段落，但它并不是一首虚张声势的纯炫技性作品，其情感的丰富与深刻在浪漫派协奏曲中是首屈一指的。
李斯特的两首协奏曲在音乐性格方面差异很大：ЪE大调第一协奏曲如焰火一般美丽灿烂，演奏效果极好；A大调第二协奏曲如朦胧诗一样神秘敏感，值得反复回味。相比之下第一协奏曲在由双钢琴演奏时效果更好一些。
勃拉姆斯的两首协奏曲可以称为有着钢琴声部的交响曲，每首的演奏时间都在四十分钟以上。这两首协奏曲是所有钢琴协奏曲中音乐内容最深刻、最感人至深的作品之一。弹奏它们需要极为高超的技巧，但却没有外在的炫技效果，属于只有专业人士才能听得出难度的艰深作品。笔者建议演奏者在没有乐队协奏的情况下最好不要在音乐会上用双钢琴演奏这两部作品，因为在失去管弦乐队的色彩之后，这两首协奏曲会变得灰暗而冗长，根本无法展现作品的原貌。
弗兰克的《交响变奏曲》是一首用变奏曲式写成的钢琴协奏曲，音乐优美浪漫，对弹奏技术的要求也相当高。用双钢琴演奏效果会打些折扣，但也不是不能接受的。圣桑的五首钢琴协奏曲中以第二号g小调和第五号F大调最经常被演奏。如果说肖邦的协奏曲是从精神上继承了莫扎特的协奏曲，那么圣桑的协奏曲则是在形式上对其的继承。这五首协奏曲都有着漂亮的旋律和灵活的织体，演奏效果也很不错，只是少了一些能令人感动的灵感和真情。
格里格的a小调协奏曲是一首洋溢着青春朝气的精致作品，其优美宽广的旋律和浪漫丰富的和声色彩变化使其成为最受音乐爱好者欢迎的作品之一。弹奏这部协奏曲无论在技术上还是在音乐上都并不特别难，用双钢琴演奏的效果也还可以。
柴柯夫斯基的第一钢琴协奏曲是最被人熟知的西方音乐作品之一，演奏效果非常好。但它对演奏者的技巧和手指、手臂的机能要求很高，因此手比较小、力量比较弱的学生不要勉强学习此曲，否则很容易造成肌肉损伤。
格拉祖诺夫的F大调第一钢琴协奏曲和斯克里亚宾的#F大调协奏曲也是非常优秀的浪漫风格协奏曲。也许是他们过于难弹的缘故，被演奏的机会并不是很多。但对于有志于向尖端技术挑战的专业学生而言，它们是非常值得尝试的“冷门”曲目。
拉赫玛尼诺夫的四首协奏曲中以第二号c小调和第三号d小调最为著名，在专业人士当中被简称为“拉二”、“拉三”。“拉二”是典型的浪漫主义协奏曲，忧郁的情调和壮美的旋律令人很容易陶醉其中。“拉三”在曲式规模上更大，演奏技巧也更复杂，音乐情绪相当郁闷，但又不失色彩的变化和情感的爆发。这两首协奏曲用双钢琴演奏的效果要远逊与管弦乐队的原版，相比之下“拉三”更不适于用双钢琴演奏。《帕格尼尼主题狂想曲》是作曲家用变奏曲式创作的钢琴协奏曲，也有人称其为“拉五”。其中的第十八变奏是大家耳熟能详的著名乐段，但从整体来看，此曲不如第二、第三协奏曲优秀。
近现代作曲家创作的钢琴协奏曲更加交响化，演奏难度也更大。拉威尔的G大调钢琴协奏曲充满了机智与细腻的美感，但用双钢琴演奏时则大为逊色。他的左手钢琴协奏曲音乐风格与G大调协奏曲相似，但演奏技巧极为艰深，能够胜任的演奏家屈指可数。
巴托克的三首协奏曲是充满了各种奇思妙想的优秀作品。其中第一、二首的音乐中充满了暴力，有些段落甚至需要演奏者去“砸”琴。第三首则比较细腻恬静，像是哲人的沉思。这三首协奏曲都不适于用双钢琴演奏，从技术难度上讲也不是大多数的钢琴专业学生可以胜任的。
普罗科菲耶夫的五首协奏曲中以第三首最常被演奏，音乐风格激进而冲动，演奏效果很好。另外第一、二、五首也是非常优秀各具特色的作品，在弹奏技巧方面对演奏者的要求也很高。肖斯塔科维奇的第一协奏曲是一首充满机智乐思的作品，但由于需要小号助奏，几乎不可能用双钢琴来演奏。他的第二协奏曲是专为青少年钢琴学习者而作的，音乐形象幽默可爱，演奏技巧也不难，程度较深的业余学习者也可以胜任。
格什温的F大调钢琴协奏曲比起他的《蓝色狂想曲》要“古典”许多，但其中仍有许多美国民间音乐的素材，演奏效果相当好。
勋伯格的钢琴协奏曲OP.42虽然是用十二音列技法写成，但其中的情感成分仍十分浓郁，如果仔细品味仍然能被其感动，但要演奏它在背谱时会非常辛苦。
除了练习曲、奏鸣曲、协奏曲外，其他钢琴作品的体裁种类繁多，很难科学地分类，在此暂且统称这些作品为“乐曲”。钢琴乐曲的数目浩瀚，限于本书的篇幅，在此仅就其中最为重要的作品进行简单的介绍。
J.S.巴赫的作品对于钢琴学习者而言无疑是十分重要的曲目，至今为止他们仍是最优秀的（几乎是唯一的）复调音乐教材。除了人所共知的《创意曲集》和《平均律》以外，《法国组曲》、《帕蒂塔组曲》也是钢琴专业学生必弹的重要曲目和教材。在巴赫的其他作品中音乐会演出效果较好的有：《半音阶幻想曲与赋格》、《意大利协奏曲》（三乐章的独奏曲）、《古登堡变奏曲》、《离别随想曲》等。另外后世的钢琴家如李斯特、陶西格、布索尼、哈斯基尔等曾将巴赫的许多管风琴曲改编成为钢琴曲，演出效果往往非常好。
斯卡拉蒂的五百多首键盘“奏鸣曲”既是训练各项技术规范的优秀教材，又是音乐会开场曲目的良好选择。这些奏鸣曲风格近似，质量平均，演奏者可根具自己的喜好自由选择。
莫扎特的变奏曲同他的奏鸣曲一样非常适合作为中级程度学习者学习的教材，其中最著名的一首是C大调变奏曲K.265，俗成“小星星”变奏曲。经常在音乐会上被演奏的莫扎特的乐曲是两首幻想曲K.397和K.475，这两首都是带有悲剧色彩的名曲，其中以K.397更被音乐爱好者们所熟知。
贝多芬有三首规模庞大的变奏曲是和他的三十二首奏鸣曲齐名的，它们是《英雄变奏曲》OP.35.《c小调三十二段变奏曲》WoO.80和《狄亚贝里变奏曲》OP.120。这三首变奏曲的演奏时间均在三十分钟左右，无论是音乐的深度还是演奏技巧的运用等各个方面，它们都不逊色于贝多芬最优秀的奏鸣曲，是非常经典的音乐会曲目。
舒伯特的八首即兴曲D.899和D.935是训练学习者歌唱性技术非常有效的教材，同时也是舒伯特钢琴作品中最受欢迎的音乐会曲目。他的六首《音乐瞬间》也是非常可爱的名曲，很适合小孩子演奏。《流浪者幻想曲》是舒伯特大型作品中结构最简捷坚实的一部，演奏它需要非常高深的技巧，如果能够完成得得心应手，是一首非常有效果的音乐会压轴曲目。
门德尔松的四十八首《无词歌》每首都有生动的标题，是培养学生音乐感的良好教材。他还有两首钢琴与乐队的作品《华丽的随想曲》OP.22和《华丽的回旋曲》OP.29，都是效果良好的音乐会曲目，用双钢琴演奏效果也不错。
舒曼和肖邦是最“专情”于钢琴的作曲家，它们的钢琴作品每首都是经典，音乐会效果也都很好。其中笔者认为对学习者技术提高最有帮助的曲目是：舒曼的《大卫同盟曲》OP.6.《狂欢节》OP.9、C大调《幻想曲》OP.17；肖邦的四首《叙事曲》、四首《谐谑曲》、、四首《即兴曲》和十六首《波兰舞曲》。
李斯特的钢琴乐曲数目众多，但并非每首都很优秀。以下所列举的曲目是笔者个人认为在技术性和音乐性上比较平衡的作品，供大家参考：《帕格尼尼“钟”主题大幻想曲》、《诗与宗教》、《旅行集三卷》、《歌剧“唐璜”的回忆》、《歌剧“弄臣”模拟曲》、《匈牙利狂想曲》第二、五、九、十五号、《巡礼之年》中的第二年“意大利”、六首《安慰曲》、三首夜曲《爱之梦》、两首波兰舞曲、《歌剧“浮士德”中的圆舞曲》、《“梅菲斯托”圆舞曲》、《西班牙狂想曲》、三十首舒伯特艺术歌曲改编曲、两首舒曼艺术歌曲改编曲《献词》和《春梦》。
勃拉姆斯的钢琴乐曲都是音乐内涵非常丰富的“内向型”作品，比较适合在具有较高艺术品味的听众前演奏。其中重要的作品有《叙事曲》OP.10、《自创主题变奏曲》OP.21no.1.《亨德尔主题变奏曲与赋格》OP.24.《帕格尼尼主题变奏曲》OP.35.钢琴小品集OP.76.79、116.117.118.119等。其中A大调间奏曲OP.118no.2是一首感人至深的优美曲子，是勃拉钢琴乐曲中最受欢迎的一首。
由俄罗斯作曲家创作的两部钢琴套曲也是钢琴文献中不可多得的珍品。柴柯夫斯基的《四季》音乐形象生动，旋律优美，演奏技术也比较简单，非常适合作为中等程度学习者的教材及表演曲目。成熟的钢琴家如果在音乐会上演奏整套《四季》，效果也会不错。莫索尔斯基的《展览会上的图画》是一套三十分钟左右的大曲，各段不能单挑出来演奏，所使用的演奏技巧也相当艰深。但如果演奏得当，特别是在音色变化方面控制得巧妙，演出效果会非常之好。
格里格的70首《抒情小品》音乐形式与门德尔松的《无词歌》近似，演奏起来也并不很难，适合学习者作为培养“音乐感”的辅助教材。
德彪西和拉威尔是继肖邦和舒曼之后最重要的钢琴音乐作曲家，它们的每一首作品都值得认真学习。以下所列举的曲目是他们的作品中最“好听”（并不一定是最优秀的）的部分：德彪西的两首《阿拉伯风格曲》、《梦》、《贝加莫组曲》、《为钢琴而作》、《假面》、《前奏曲集》中的《亚麻色头发的少女》；拉威尔的《悼念公主的孔雀舞曲》、《嬉水》、《加斯巴之夜》、《镜》组曲中的《钟谷》。
俄罗斯及前苏联的近现代作曲家如斯克里亚宾、拉赫玛尼诺夫、肖斯塔科维奇等人都写有大量的为钢琴而作的《前奏曲》。这些短小精致的作品是他们钢琴作品中的精粹，演出效果往往非常好。普罗科菲耶夫作有一首极难弹的《托卡塔》OP.11，是钢琴名家炫耀超人技巧的首选曲目之一。
勋伯格、韦伯恩、梅西安等人的作品对于中国的钢琴学生而言尚比较陌生。但作为二十一世纪的钢琴专业学生，这些曲目是必须要了解的。尽管他们的音乐尚不能被大多数听众所接受，但作为二十世纪经典的钢琴文献，他们的艺术价值是毋庸置疑的。
由于钢琴传入中国只有一百年左右的历史，因此中国钢琴音乐的创作尚无法同西方经典的钢琴作品比肩。但像江文也、丁善德、陈培勋、贺绿汀、罗忠熔、杜鸣心、黎英海等等老一辈作曲家也曾创作出一批非常优秀的钢琴作品。当代中国的中、青年作曲家如王建中、黄安伦、谭盾、崔世光、陈怡等，也正在钢琴音乐的创作领域中进行着各种有益的探索。这些是值得所有中国“钢琴人”关注的。